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The magazine Feb 2016

Николай Панайотов: Вагнер като авангардна инсталация

в. Труд

Художникът Николай Панайотов обича авантюрите. Преди 4 години заряза две столици – София и Париж, за да засели ателието си в габровското с. Стоките. Стегна запуснатото местно школо и го нарече “Бялото училище”. Оттогава всяка година в деня на селския събор прави изложба, на която събира и любопитни местни комшии, и елитни гости от чужбина. Най-новото приключение на Панайотов е операта. Той е автор на сценографията и костюмите на Вагнеровото “Рейнско злато” – първата част от тетралогията “Пръстенът на Нибелунгите”. Постановката е на Пламен Карталов, а премиерата е тази вечер.

– Какво е “вечното” в “Рейнско злато”, което би заинтригувало и днешния зрител?

– Вечното е човешкият нагон, страстта да доминира, да завладява с всякакви средства и след това – да пропада в клопката на завладяното. Диктаторът, който страшно желае да вземе властта, след това се оказва комплексиран нещастник, обречен на самота и отчаяние. Този пръстен всъщност се върти непрекъснато във всички времена. Върти се и днес тук, на Балканите.

– Как ще привлечете младите хора на XXI век в опера, създадена преди 141 години?

– Реших костюмите да бъдат като от модно дефиле, да излъчват тенденциите на деня и в същото време да има препратки обратно в историята. И в декора използвах нови материали, исках да елиминирам бутафорията, картонените мизерни излъчвания, които често виждаме в нашите театрални или оперни постановки. Исках всичко да изглежда като авангардна инсталация.

– И не пожертвахте някой костюм, за да покажете голо тяло – това по ще привлече публика?

– Толкова е правено това, толкова е дежавю… Ще видите много повече сладострастности, които ще излъчват оголените в костюми характери. Голотата на истината е по-силна. Когато Шагал е правил сценографията за опера на Моцарт, критиците го заклеймили – “Шагал уби Моцарт”. Изпитах благороден страх, докато гледах първите репетиции. Видях моя картина, тотално раздвижена. И моя стил, който опустошително е завзел Вагнер. Толкова обичам Вагнер, а съм му вкарал убийствения ток на днешния ден.

– Някъде четох, че сте търсили “фентъзи” ефекти. Това съобразяване с пазара ли е?

– Ако някой очаква фентъзи, ще бъде подведен. Напротив, търсих изчистеност и концентрираност на изображението. Има и иронични препратки към неща от деня – елементи от костюмите на нашите мутри, от рока или от египетското изкуство.

– Мутри и в операта?

– Мутрите са двамата великани, герои в “Рейнско злато”, които са някак арогантно наивни. Те идват да търсят откуп, да им бъде платено построяването на поредния замък, примерно в “Бояна”, от съответния олигарх, който обаче ги е прекарал.

– Самият вие ходите ли на опера?

– О, да. Не бих казал, че съм меломан. Но много ме интересува изобразителната визия. В момента има едно развихряне на крайностите при поставянето на Вагнер. И това ме предизвика – да си премерим силите какво можем и ние да добавим в разнообразието на трактовки.

– Кризата притиска операта по света и у нас, не е ли кауза пердута точно сега да се захванете с нея?

– Мисля, че точно в най-тежките кризисни моменти човек се мобилизира да направи от дефекта ефект. Бедността понякога дори те прави по-хитър, по-иновативен. Имам чувството, че в България полека-лека настъпва умора от т. нар. ниска култура. Виждам го особено в младото поколение, което се връща към морал, хармония, елегантност, дискретност – към истинските стойности. Не че това идва чрез възпитание, а според мен от вечния природен закон за съхранение на индивида.

– Като художник – жител и на Париж, и на София, как ще коментирате идеята за Български Лувър?

– Ние имаме този нещастен рефлекс да догонваме или да имитираме… Навсякъде по света днес музеите не се концентрират в един, а се размножават в различни квартали, това важи особено за Париж. Всеки музей има своя политика, директор, отделен стил и концентрирането на едно място на всичко, според мен ще бъде най-малкото досадно. По-добре е да бъдат разхвърляни в перифериите, това води до облагородяването на самия квартал. Тази идея за мен е като отглас на тоталитарен комплекс, да не говорим, че ми звучи смешно да го наричаме Лувър.

– Андрей Даниел и други ваши колеги твърдят, че за по-малко пари в кризата може да се направят откупки на съвременни произведения от съществуващите галерии…

– Музеят не се прави от сградата, а от произведенията в него. Бях преди години в прашен и мизерен музей в Египет, обаче вътре имаше такива фантастични неща! Да извадим и да осъзнаем какво точно имаме. В това да се концентрираме, а не в тоя комплекс на бедността, в който само строим, строим… Музеите вече като че ли се отдръпват от тази грандоманска линия, стават по-интимни, по-модулни. Много малко е необходимо да се рехабилитират старите галерии.

– Как се влияе пазарът на изобразителното изкуство от кризата?

– На Запад всички очакваха пазарът да падне. Оказа се, че големите произведения на големите автори са убежище за спасение при криза и си запазиха цените. По-скоро за младите автори е трудно. Но големите банкови инвеститори вярват на тези стойности и при последните разпродажби в Ню Йорк кривата скочи нагоре, след като миналата година беше паднала. Това е много интересен феномен, изкуството е като че ли най-ирационалната част на нашето съществуване. Има чар в това, че абсолютни прагматици като банкерите се вкопчват в нещо, което е толкова неуправляемо като създаване и като стойност. Но в това е и големият оптимизъм, че човек не може да бъде само един компютър, в него се движат чудесата на създанието. И мисля, че чрез Вагнер ние с Пламен Карталов се опитваме да го докажем тук, в София.


Les fables de Nikolay Panayotov

A peine arrivé de sa Bulgarie natale, le jeune peintre Nikolay Panayotov fait une entrée fracassante dans le monde des galeries, par une exposition où tout est surprise et séduction. Qu’il emploie la plume, la gouache ou l’huile, il sait créer un univers de formes imbriquées les unes dans les autres, où l’on ne peut séparer le réel d’un rêve à facettes multiples. Les couleurs sont ou vi­ves ou tamisées, avec des plages blanches où l’imagination semble prendre quelque repos. Les personnages, ou stylisés ou fantomatiques, suggèrent que leur transformation est imminente, tandis que les objets et les plantes changent de règne. Ainsi la pierre se fait fleur, et d’étranges artères parcourent un espace dont on ne sait s’il annonce l’avènement de quelque planète inconnue.
Une dynamique douce permet en tout cas, un peu comme chez Paul Klee ou comme chez Wifredo Lam, d’échapper à la logique et de se préparer à une fable perpétuelle de changements, de fuites, d’interrogations. Bien entendu, rien n’est imposé de façon péremptoire, il nous est loisible d’interpréter comme nous le désirons ces légendes qui, prenant corps, s’évadent déjà vers de nouvelles frontières. Le dessin lui-même peut être ferme ou libre jusqu’au tremblement. L’apesanteur des lignes et des volumes se résorbe en un somnambulisme léger.

Alain BOSQUET
Le Quotidien de Paris 03.10. 1991


Jean-Pierre Delarge
DICTIONNAIRE DES ARTS PLASTIQUES MODERNES ET CONTEMPORAINS

Né le 9 février 1956 à Sofia, Bulgarie ; 1983, diplômé des Beaux-Arts de Sofia ; 1983-1990, y enseigne la peinture ; 1990, s’installe à Paris.

Figuratif, tant qu’il vit chez lui, il se libère après avoir choisi la liberté. Désormais, beaucoup des formes utilisées pour ces trophées surréalistes, imaginaires, renvoient à de grands noms, Brauner, Miré, De Chiricho, Schlemmer…, mais la construction d’ensemble ne renvoie qu’à son créateur. Monde étrange où l’œil peut scruter à loisir la complexité de ces accumulations ficelées par des tubulures lignées qui se terminent en tromblon et qui, ourlées au ombage, donnent un relief à la Léger. L’enchevêtrement d’objets et de formes marque des zones d’ombre et de lumière, des plages de superpositions et de graphismes ajoutés en graffitis de visages. Les détails sont identifiés par hasard ; l’ensemble, mouvementé, prend parfois l’allure d’un esquif avec son mât et ses voiles. L’eau revêt une grande importance dans ses compositions qui se dépouillent : elle tient lieu du liquide dont va surgir le construit, structures qui dominent les flots. Le rouge, rompant brutalement avec la blondeur tamisée et y apportant le piment qui attire, le cède à une modulation toute discrète qui souligne le grisé ou le sableux dominant. Les formes réelles sont métamorphosées en formes organiques. Il organise le désordre entre figuration et abstraction. On perçoit qu’il est aussi, de 1983 à 1990, peintre de fresques et auteur de mosaïques murales.
Expo. : 1982, Wittgenstein, Vienne, Autriche ; 1990, Chipka, Sofia ; 1991, Jan Six, Paris ; 1992,1994, Treger, Paris.
Il a dit : « Nous marchons bon train, à l’est de la mappemonde, vers les terres de somnolence et d’entrailles où d’inquiétantes semonces annoncent un réveil somptueux et des matins d’effroi. (…) Je me suis fait, encore une fois, l’ambassadeur de la perversité, colporteur des accessoires de la vie, en vendant les farces du monde et en les outrepassant. »

Editions Grund, Paris, 2000


Nikolay Panayotov
Du 10 septembre au 10 octobre
Galerie Treger
47, rue Mazarine
75006 Paris
Nikolay Panayotov, ou l’échappée li­bre. Cet artiste bulgare, installé à Pa­ris depuis peu, expose une série de toiles – le terme ici est pertinent dans son essence même – dont chacune tisse son propre monde, tant sur le plan formel que symbolique. Le tableau s’élabore par couches successives, transparentes ou opaques, à partir de la trame, encore visible par endroits, de la toile, et à l’intérieur d’un cadre pictural déterminé par le peintre lui-même, pour mieux le transgresser. Car Panayotov ne définit rien: toutes les potentialités de la forme sont présentes et en correspondance les unes avec, dans, et par rapport, aux autres, dans un jeu de fondus et de contrastes, qui rythment et équilibrent le tableau entre douceur et violence. Comme si, dès que l’artiste fait un choix, son contraire s’impose en réponse nécessaire. Osmose poétique des figures évanescentes, non dans leur apparence, mais dans leur sens: elles versent du figuratif dans l’abstrait, et vice versa, toujours ouvertes vers une autre destination, une valeur supplémentaire, qu’elles puisent dans leur entourage immédiat. La forme se fond dans une autre, pour s’y révéler et, dans le même mouvement, la révéler aussi. Est-ce l’expérience de Panayotov en art mural qui préside à cette alternance de tensions, là déployées, que l’on retrouve dans sa peinture concentrées, entre le vide et le plein, la force et l’harmonie? C’est dans la «conversation», telle que la définit Panayotov, des différentes figures du tableau que s’établit son réseau narratif. L’œil s’attarde et décrypte l’histoire infinie que déroule – à la manière d’un écheveau – chaque toile, au vocabulaire d’œuvre en œuvre cohérent mais évolutif, et dont la limite est en même temps donnée et dépassée. Formes archaïques, dessins élémentaires, taches de couleurs sur fond de fresque, elles se déploient jusqu’à l’ironie. Le spectateur s’approche et, séduit, tombe et ressort, ravi, mais jamais rassasié, de ce labyrinthe sémantique inépuisable.

Laurence Pythoud
L,Oeil, 09. 1992


Retenir l’attention quand on expose à Paris n’est pas chose facile. C’est pourtant le cas de Nicolaï Panayotov. Si je me fie à ma propre réaction, je dirais que la raison en est l’étrangeté de son travail. D’emblée le regard est retenu par l’aspect matériel du tableau. Il s’agit bien de peinture mais d’une peinture dont le matériau constitutif a une très forte présence. On a tous en mémoire l’attachement de Braque à cette matérialité du tableau. N’a-t-il pas, au gré de ses recherches, introduit du sable, de la limaille de fer dans ses couleurs qu’il avait au préalable broyées lui-même, et surtout, surtout n’est-ce pas lui, Braque, qui a cessé le premier du temps du cubisme, la vieille tradition de la peinture à l’huile en concevant le papier collé? La brèche ainsi ouverte en 1912 est devenue tout au long du siècle une large voie que la modernité a empruntée, que nombre d’artistes a suivie et parmi eux le bulgare Nicolaï Panayotov a sa place. Regardez ses tableaux. Des formes indéfinissables s’y inscrivent, s’imbriquent, s’émoulent, chevauchent ou se détachent les unes des autres et leur énigmatique liberté s’accroît sous vos yeux, prend du relief et ce relief est réellement là, matière et couleur ensemble. Chaque couleur fait corps avec la matière, semble surgir de ses profondeurs pour faire surface, si bien que le tableau vous surprend, tant il est insolite.
D’où vient cette peinture? A peine avais-je vu deux ou trois tableaux chez Panayotov, je me posai la question et tandis qu’il continuait à m’en montrer d’autres, leur étrangeté se confirmait, mais la question restait toujours en suspens. Puis, tout à coup, la réponse est tombée par hasard dans la conversation, venant de l’artiste: la fresque avait été sa formation initiale à l’Académie des Beaux-arts de Sofia. Il était venu à la peinture par la fresque — technique désuète comme chacun sait, exigeante entre toutes, qui a ceci de particulier: dans une fresque, chaque couleur délayée à l’eau, posée “a fresco” c’est-à-dire sur le mortier frais du mur impérativement fait corps avec la matière qui la reçoit. Panayotov avait donc repris cette exigence première sur un mode moderne: il avait fait sien un geste d’avant la peinture à l’huile, un geste autre, archaïque, qu’un trouble actuel traverse de part en part.

Dora Vallier
Catalogue, 1994